Le Blog de Stockholm

Le Dernier Samouraï

Stockholm — Sun, 14 Sep 2008 21:25:35 +0200

Synopsis

1877. Le capitaine Nathan Algren, de l'armée des États-Unis, gagne son whisky quotidien en faisant de la pub pour Winchester. Désenchanté et alcoolo, il accepte volontiers de rompre son contrat avec les carabines pour aller entraîner la nouvelle armée japonaise et la préparer à vaincre les rebelles opposés à l'ère Meiji. Le principal révolté est Katsumoto, un ancien maître de l'empereur, et le dernier samouraï.

Sous le commandement du colonel américain Bagley, avec qui Algren a massacré les Peaux-Rouges quelques années plus tôt, le capitaine va donc entamer la formation de cette nouvelle armée nipponne. L'aventure va néanmoins tourner court ; blessé et fait prisonnier lors de la première bataille livrée contre Katsumoto, Algren va être plongé en immersion totale dans un Japon obscur où le Bushido, la voie du guerrier, est encore la règle de vie...

Mon avis

Mmm... Beaucoup de choses à dire au sujet de ce film.

Il s'agit d'abord d'une grande réussite esthétique. Pas un plan qui ne soit beau ; la lumière est particulièrement travaillée, dans ces décors très épurés. Les couleurs, aussi, et les lignes, s'épaulent pour constituer un cadre luxuriant de simplicité. La musique, quant à elle, est parfois trop présente, et trop américaine, mais les scènes principales sont extraordinairement mises en valeur par la bande originale de Hans Zimmer.

Le jeu des acteurs est difficile à évaluer en version française en raison du doublage. Ma principale critique est l'accent japonais pourri des personnages japonais, à cheval entre allemand et russe. Ceci dit, on n'en est pas au point de Stalingrad (chronique à venir), où la cohérence des langues est particulièrement mise à mal. Ceux qui parlent japonais parlent japonais, les sous-titres sont là pour aider, point barre.
En furetant sur internet, la principale accusation formulée contre Tom Cruise est qu'il joue comme un pied. Si c'est le cas, en VO la doublure le sauve en VF... Ken Watanabe, lui, campe un Matsumoto royal, et c'est un pur plaisir que de le voir incarner ce personnage.

Autre chose qui m'a fait grandement plaisir, c'est la crédibilité médicale de l'état de santé du capitaine Algren après la bataille... Nous avons donc un superbe pneumo-hémothorax gauche très probablement surinfecté, ainsi qu'une plaie grave de la cuisse, le tout assaisonné d'un très joli DT. Au lieu du héros trop costaud pour être crédible, on a un vrai blessé qui peut à peine se tenir debout, ça fait plaisir.
L'effet est foutu en l'air par la résistance surnaturelle aux balles du capitaine Algren dans la bataille finale, mais bon, il avait besoin de survivre au premier assaut, parce que sinon la fin aurait été vraiment pourrie.

Le film est malheureusement ponctué d'anachronismes tellement évidents que même une buse au plan de l'histoire nipponne (moi, par exemple ^^) les remarque. Des armures qui n'étaient plus utilisées depuis longtemps, la méconnaissance de la poudre - les bombes et fusils ont quand même été utilisés un bout de temps avant l'ère Meiji...

Mais ces bourdes temporelles sont rachetées, et ô combien, par la description du Bushido qui est faite dans le film. Sens de l'honneur, respect, et la touche William Saurin, tout y est.
D'autres critiques fréquemment formulées est que le capitaine Algren apprend le japonais et l'art du sabre en l'espace de quelques mois, ce qui est assez peu crédible. Certes, je suis d'accord avec ça. Mais cela m'amène au point principal de ma critique.
Le Dernier Samouraï est tout sauf un film historique. Il ne faut pas y chercher un cours d'histoire sur le début de l'ère Meiji ; je le vois comme une fantaisie, au sens littéral. Une fantaisie dont le but est n'est pas de retracer l'évolution d'Algren - on la voit venir depuis l'affiche - mais d'illustrer le Bushido de manière plus ou moins exacte.

Ah oui, et une dernière critique des critiques : la pub scientologiste censée être présente dans le film. J'ai juste envie de dire que si Tom Cruise n'avait pas été la star sur l'affiche, on n'en aurait même pas parlé. Il se contente de se taper un syndrome de Stockholm carabiné... Et la "non-pensée" largement pointée du doigt est parfaitement légitime dans le contexte de l'apprentissage du kendo, la voie du sabre. Bref. Dieu sait que j'ai l'épiderme sensible à propos des sectes, mais là je n'ai rien trouvé à redire. Peut-être aussi parce qu'on nous épargne la scène d'amûr sirupeuse de tout film américain qui se respecte.

Mais il y a dans le film un manque de cohérence regrettable, évidente sur l'affiche. Tom Cruise, aka N. Algren. Dernier Samouraï. OK, Algren est le dernier samouraï.
Ben non. Le dernier samouraï, le personnage central du film, est Katsumoto, et l'acteur qui devrait être en tête d'affiche est Ken Watanabe. C'est là où pêche le scénario ; on ne sait jamais qui est au centre de l'histoire... Ce devrait être Katsumoto. Une part trop importante est laissée à Algren ; au contraire de Danse avec les Loups, le film n'est pas seulement la découverte d'une culture. C'est l'histoire d'un guerrier, qui a vraiment existé, et est devenu une légende. On ne se centre pas assez sur Katsumoto ! C'est lui qui est au coeur de l'intrigue, et le film semble lui être consacré. Sans doute était-ce trop demander à Tom Cruise de se contenter du rôle de faire-valoir...
Le film est donc bancal et mal foutu. L'intérêt est sans cesse rapporté à Algren, alors qu'il devrait glisser au fur et à mesure vers Katsumoto. C'est regrettable, parce que, au delà des anachronismes et des incohérences, c'est cela qui empêche le Dernier Samouraï de dépasser le stade de bon film pour devenir un e oeuvre de très grande qualité. C'est à voir - à revoir, même - mais c'est dommage que le film ait été sabordé avec une aisance pareille.

Ah oui, et il y a de chouettes combats au katana, bravo au chorégraphe.

Rurôni Kenshin

Stockholm — Mon, 04 Aug 2008 11:09:49 +0200

Synopsis

Pour une fois n'est pas coutume, je ne vais pas présenter un film mais un anime. Je sais. Il faut remercier Estelle M. pour ça. (Si on remet les choses dans leur contexte, Estelle étant fan de mangas, elle a profité de mes vacances toulousaines pour me coller devant l'ordinateur avec quelques épisodes d'anime à regarder. Et vous savez ce que c'est, on veut toujours savoir comment ça finit...)
Ahem. Comme disait l'ancien titre de ce blog, "je ne vais pas vous raconter ma vie". Donc.

Himura Kenshin est un assassin - mais repenti. Lors de la révolution ayant précédé l'ère Meiji, il exécutait avec brio (et sans remords) les cibles des impérialistes de Kyoto, se heurtant aux assassins du camp opposé, je ne vous fais pas un dessin. A tel point que ses cheveux roux et sa cicatrice en forme de croix avaient rejoint la légende...
Dix ans après la révolution, Battosaï l'Assassin est devenu Rurôni Kenshin, un vagabond qui a fait le serment de ne plus tuer... Armé d'une épée à lame inversée ne pouvant ni blesser ni tuer, il erre à travers le Japon de l'ère Meiji (joli jeu de mots, non ?) sans jamais se fixer. Jusqu'à son arrivée à Tokyo, où un assassin tue en se faisant passer pour le Battosaï... Kenshin trouve alors refuge dans un dojo dont la directrice, la trop fraîche Kaoru, tombe amoureuse de lui.
Là, il faut sauter quinze épisodes avant de tomber sur le noeud de l'histoire - un autre assassin de la révolution, Shishio Makoto, refait surface et cherche à semer le chaos. A Kenshin de l'affronter - ce qui se révèlera ardu, même avec l'aide opportune de son maître, un personnage hauts en couleurs.

Voilà pour un aperçu de l'histoire - si je me mettais à résumer les vies des personnages secondaires, on y serait encore demain matin. Entre Yahiko, l'apprenti de Kaoru - dix ans et susceptible descendant de samouraï - Sanosuke, un peu voyou, un peu dévergondé, et quelques autres rencontrés au hasard des épisodes (mention spéciale à Shinomori Aoshi), Rurôni Kenshin campe une bande de personnages addictifs et tout bonnement géniaux.

Mon avis...

... strictement impartial, parce que je n'y connais rien en mangas.

J'aime bien. En fait, j'adore.

A part Kaoru, dont les grands yeux doux m'insupportent, j'aime ces personnages. Un peu stéréotypés pour certains, mais pas autant que ce qu'ils auraient pu être. Mais les personnages principaux dégagent une telle énergie et une telle vitalité qu'il est impossible de ne pas s'y attacher.

Pour ce qui est des graphismes (vas-y, fais celle qui s'y connaît), les premiers épisodes pêchent un peu par leur côté dessin animé, mais ça s'améliore nettement par la suite. Les montagnes de muscle des méchants s'affinent un peu, les dessins gagnent en légèreté et en finesse... C'est mieux.
Et puis il y a ces combats au katana (même si Aoshi a carrément la classe avec son double kodachi, c'est mon préféré, sombre, intelligent, grrrr). Ces duels où les dessins décomposent la danse mortelle des combattants, tout en restant terriblement esthétiques. La caméra de Tarentino est enfoncée.
Par contre, la musique est nulle.

Donc non, même si j'ai passé de vraiment bons moments à regarder une soixantaine d'épisodes sur veoh.com, je ne garderai pas un souvenir impérissable de cet anime, bien que lire le manga originel me fait très, très envie.

Mais il y a les quatre OAV - l'histoire avant l'histoire, la jeunesse de Kenshin, l'assassin légendaire de Kyoto (oui, je vous ai gardé le meilleur pour la fin)...
Et là... j'en redemande !
Après l'anime, l'esthétique est un choc extrêmement violent. Adieu les classiques du manga. Les OAV frisent la perfection, ce sont des estampes où le spectateur vit avec les personnages. Des couleurs sombres, beaucoup de noir, de rouge, de bleu. Une nature omniprésente dans le ballet de quatre saisons sanglantes, où les stéréotypes ont disparu... Les caractères sont noirs, profonds, nuancés, cruellement objectifs dans une histoire sans concessions. Des personnages implacables, si profondément purs, où il n'y a ni bons ni mauvais - mensonges contre assassinats, et vengeance, tous en ont leur part. Peu de personnages secondaires (à part les trois personnages principaux) dans une tension de huis-clos où la rigueur psychologique est aussi acérée qu'une lame de sabre. C'est l'histoire d'un homme devenu assassin pour construire un meilleur avenir et qui, s'il renoncera à son épée, conservera ses idéaux, au contraire de beaucoup d'autres, au terme d'une évolution psychologique difficile. Sincèrement, ça vaut le coup de regarder 62 épisodes très sympathiques pour voir ces quatre fois trente minutes. Et la musique, envoûtante... certes parfois un peu plagiée, mais qui vous colle à l'histoire de cet assassin où tout est suggéré avec une justesse extrême. Je comprends que beaucoup de gens qui ont aimé l'anime ne soient pas inspirés par ces OAV. Ils ne portent pas trace de l'humour burlesque qui détend régulièrement l'atmosphère de l'anime. Ils racontent une histoire brute, une histoire de vengeance et de mort, où même la paix cache la trahison. Il n'y a pas de place pour le reste. Seule se fait jour une profonde beauté - beauté des images, beauté de la narration. Et également beauté des personnages, "purs à la manière d'un vin, d'une pierre ou d'un poison, purs par leur violence et leur intégrité", dirait Kessel.

Oui, Kenshin Tsuioku Hen me laissera le même souvenir qu'un grand film - à voir et à revoir, sans aucun doute.

Seachd : the Inaccessible Pinnacle

Stockholm — Thu, 03 Apr 2008 20:57:55 +0200

Synopsis

Làn fhìrinn na sgeòil - La vérité est dans l'histoire.

Lorsqu'un jeune homme, Angus, rend visite à son grand-père mourant à l'hôpital, il ne peut réprimer les souvenirs de son enfance - quête pour la vérité derrière la mort de ses parents, et pour la vérité derrière les histoires incroyables racontées par son grand-père. Des histoires venues tout droit des légendes gaéliques parlant d'amants empoisonnés, de vengeance sanglante, de chevaux hantant les lochs et d'or espagnol. Son grand-père va bouleverser la vie d'Angus, l'amenant pour une dernière fois sur l'une des plus dangereuses montagnes d'Écosse, le Pinnacle Inaccessible de l'île de Skye, et le conduisant à une vérité à laquelle il ne s'était jamais attendu.

(Je sais, c'est pompé sur Wikipédia, mais c'est moi qui ai fait l'article, et j'ai eu la flemme d'en faire un autre)

Mon avis

Avant d'aller plus loin, je dois vous prévenir. Le film est en gaélique sous-titré en anglais, donc il faut être motivé pour le regarder. Ah, et il n'est pas disponible en France, alors avant il faut le commander sur amazon.uk et attendre trois semaines avant de l'avoir... Mais bon. Ça vaut le coût !

Seachd, c'est un film profondément écossais (après cette platitude, je vais aller me couvrir la tête de cendres en signe d'humilité, ne vous inquiétez pas). Le film est rythmé par des légendes à double sens, parfaitement intégrées dans l'histoire et racontées avec humour et simplicité ; j'ai seulement regretté une ou deux transitions de flash-backs un peu brouillons - mais il est possible que les sous-titres aient aidé.

Le film est esthétiquement très abouti, avec une photographie épurée, minimaliste, la meilleure qui soit pour mettre l'île de Skye en valeur. La caméra expose, et l'histoire se déroule sans heurts, dans des cadrages simples où les acteurs sont montrés au naturel pour raconter une histoire où la magie est omniprésente. Magie du conteur d'histoires, magie d'une jeune sorcière à la poursuite d'un meurtrier, magie des chevaux-démons hantant la brume des lochs... Mais aussi alchimie des sentiments et de l'analyse des caractères. Et, bien sûr, la beauté envoûtante des Hébrides dans sa pureté sauvage. Seachd est un plaisir pour les yeux. La fin, ce trajet en bateau jusqu'à Elgol, où les montagnes tombent à pic dans la mer, est particulièrement remarquable. C'est mon Écosse... et ça me donne envie d'acheter un immense écran plat pour mieux en profiter...

La bande originale, composée par Jim Sutherland, est le seul point faible du film... De très belles voix gaéliques, oui, mais les morceaux instrumentaux sont décevants. Ils ne parviennent pas à imposer l'ambiance envoûtante qu'ils cherchent visiblement à créer.

Bref, changez la musique, remplacez-la par du > , retouchez un ou deux points pas racontés au mieux, et vous avez un film qui convaincrait les Méditerranéens les plus endurcis que l'île des Brumes et ses montagnes sont le plus bel endroit sur terre. En l'état, et les neutres passeront un excellent moment à découvrir, les cinéphiles garderont un oeil sur Simon Miller et les aficionados des Hébrides seront transportés.
Et, pour le plaisir, je vous mets la bande-annonce, qui met vraiment l'eau à la bouche...

Vous possédez une ancienne version du plugin Flash !
Téléchargez-le gratuitement et rapidement en cliquant ici : http://www.adobe.com/shockwave/download/download.cgi?P1_Prod_Version=ShockwaveFlash&Lang=French&P5_Language=French

Into the Wild

Stockholm — Mon, 17 Mar 2008 19:59:37 +0100

L'histoire

Christopher McCandless, un brillant étudiant, a un avenir radieux devant lui. Il vient d'avoir son diplôme et, le monde s'offrant à lui, il va rejeter la société pour vivre la vie cent fois rêvée des voyageurs solitaires. Brûlant ses papiers, son argent, offrant le reste à Oxfam, il va partir dans un long voyage à travers les Etats-Unis. Le Grand Canyon en canoë, la Californie, le Mexique et sa Baie, un itinéraire de solitude croisant le chemins d'autres errants pour celui qui se nomme désormais Alexander Supertramp.

Mais son but final est l'Alaska et ses immensités qui dépassent l'homme... Il y parviendra après deux années de voyage et, enfin coupé de l'intégralité de la race humaine, désespérément libre, il va vivre son rêve et mordre à la vie sauvage - pour découvrir, en fin de compte, une ultime sagesse.

Mon avis

Into the Wild est un film immense. Immense, par cette terrible histoire d'abandon et de dépassement de soi, immense par sa pureté terrifiante. C'est un concentré d'âme, un distillat de saine folie. On ne voit pas un film comme celui-là tous les dix ans.

Couplant une photographie à couper le souffle avec une musique qui vous emporte, l'atmosphère de cette Amérique particulière est unique, saisissante. On a beaucoup parlé de ces paysages de l'Alaska et du Colorado, filmés avec un brio rarement égalé. On a vanté, à juste titre, la beauté simple d'une photographie épurée, un oeil fixant l'essentiel - et cet essentiel est le Beau. Il n'y a pas une image, pas un plan, qui ne soit digne d'admiration. Depuis l'aridité du désert jusqu'aux luxuriantes forêts californiennes, en passant par l'absolu du Grand Nord, l'Amérique est magnifique.

Mais les images, sans l'histoire, ne seraient rien. Cette introspection, cette réflexion sur la société, et l'évolution de cet homme qui grandit, seul, pour découvrir, à l'instant extrême, la nécessité des relations humaines, est hors du commun. Ce cheminement a sans doute été vécu cent mille fois depuis que les hommes marchent et pensent, et cherchent le bonheur dans la solitude, mais il n'a sans doute jamais été exprimé avec autant de force et de vérité.
Car c'est la vérité qui mène Alex jusqu'en Alaska. La soif de vérité d'un enfant auquel on a toujours menti, ce sentiment qui, poussé à l'extrême, le tire jusqu'à vouloir l'absolu. Cette histoire est d'une grande beauté, parce que la nature de celui qui la vit est d'une intégrité à toute épreuve. Rien ne peut venir troubler son désir, ni le corrompre, et c'est dans la naïveté qu'il va découvrir sa vérité. Sa nature s'émerveille et découvre, pas à pas, le lent cheminement vers la sagesse, ce savoir ancien, souvent oublié, de l'être humain. La sagesse n'est pas dans la connaissance abstraite, ni dans le détachement des choses de la terre, mais dans la parfaite compréhension de ce qui peut faire le bonheur, et c'est ce qu'Alex découvrira, au prix de sa vie.

L'envoûtement est total - histoire, acteurs, photographie, musique - rien ne peut le briser. On vibre et vit avec Alex le voyageur, avec Christopher l'assoiffé, et, certainement, ce sentiment immense qu'est le bonheur de se perdre dans la nature et le sauvage aura touché même les plus endurcis. Comment ne pas être transporté par ces scènes d'Alaska, comment ne pas comprendre la joie de se fondre avec ce qui est sauvage et pur... Et comment ne pas toucher au bonheur, lorsque la vie s'éteint au moment où vient la connaissance...

Un film d'une grandeur inégalée.

La nature se rit des souffrances humaines ;
Ne contemplant jamais que sa propre grandeur,
Elle dispense à tous ses forces souveraines
Et garde pour sa part le calme et la splendeur.

Charles-Marie Leconte de Lisle

La Communauté de l'Anneau

Stockholm — Thu, 06 Mar 2008 20:18:29 +0100

L'histoire

Dans la Comté vivait heureux le Hobbit Frodon Sacquet. Quand son oncle Bilbon part à la retraite en lui laissant son anneau magique, les problèmes commencent. En effet, le magicien Gandalf découvre qu'il s'agit en fait de l'anneau de Sauron, seigneur des ténèbres, qu'il a perdu des siècles auparavant. Frodon doit fuir la Comté au plus vite, car Sauron recherche son anneau pour retrouver son ancien pouvoir.

Apprenant de Gandalf, ami de toujours, que l'anneau est en fait l'Anneau Unique, objet de la convoitise du seigneur noir Sauron, Frodon entame un voyage jusqu'à Fondcombe. Avec lui partent Samsagace Gamegie (Sam), Meriadoc Brandebouc (Merry) et Peregrin Touque (Pippin). Durant leur long voyage, ils rencontrent Grand-Pas (Aragorn). Après maints périls, ils arrivent à Fondcombe, où la décision est prise d'entamer un voyage impossible jusqu'en Mordor pour y détruire l'Anneau. La communauté se forme alors composé de Frodon, Sam, Merry, Pippin, Aragorn, Gandalf, Boromir de Gondor, Legolas prince de la Forêt Noire et Gimli pour les Nains. Tous partent pour aider le porteur de l'Anneau dans sa tâche.

Mais le grand et tout puissant Magicien Saroumane voulait l'Anneau afin de régner sur la Terre du Milieu et envoya donc des Uruk-hai pour anéantir la communauté de l'anneau. Boromir se sacrifie pour permettre la fuite des Hobbits.

Mon avis

Ahem, ahem.
Je n'ai pas aimé. On peut même dire que j'ai passé deux heures et des poussières à trépigner sur mon fauteuil. Pourquoi ? Objectivement, les acteurs sont bons, très bons. La photographie et l'esthétique, éléments qui me touchent pourtant particulièrement, sont magnifiques. La musique est enchanteresse. Et pourtant je n'ai pas, mais alors pas du tout accroché à cette adaptation.
Pourquoi ?
Parce que ce n'est pas ma Terre du Milieu. Je n'ai jamais retrouvé - sauf à Fondcombe - cette nature sauvage et fière du texte de Tolkien. Ce ne sont pas mes elfes. Elrond n'a pas la grandeur du fils d'Eärendil et d'Elwing, il n'est pas ce personnage "puissant parmi les Elfes comme parmi les Hommes" à la sagesse triste et amère. Arwen : où est-elle ? A la place d'une dame elfique à la dimension mythique, je n'ai trouvé qu'une amazone beaucoup trop ancrée dans le réel pour descendre des Noldor venus de l'Ouest. Et Legolas. Seigneur. Encore heureux qu'il soit beau à regarder, bien qu'il soit celui qui s'en tire le mieux. La Lorién est un massacre. Où est cette beauté dont parle Tolkien ? "Cette beauté que certains appellent celtique, bien qu'elle soit rarement trouvée dans les véritables objets celtiques." A moins qu'il ne s'agisse de la déco très New Age de la Lorién ? Oui, on retrouve des motifs celtiques - mais c'est vu et déformé par le miroir d'Hollywood. Je vous mets au défi de trouver ces mignardises ailleurs que dans les boutiques gothico-New Age - elles ne sont surtout pas présentes dans le texte original, où la simplicité domine.
Aragorn était décent. Boromir trop simplifié - on sent venir sa trahison dès le départ ; elle est amenée de manière bien plus subtile dans le livre.
Les Hobbits sont, eux aussi, décents. Rien à dire, et c'est sans doute ça le problème.
Et Gimli, le Nain. C'est un Nain. Mais ce n'est pas comme ça que je l'imaginais.

Sans compter ma frustration devant la disparition de Tom Bombadil. Mais bon, ce n'est que mon avis.

Je suppose que, si vous n'avez pas lu le livre ou si vous n'êtes pas trop exigeant envers la fidélité de l'adaptation de l'histoire et des personnages, vous pourrez apprécier ce film à sa juste valeur. Je n'y ai vu qu'une adaptation paillettée qui aurait gagné à être plus sobre. C'est trop grand, ça a coûté trop cher ; l'immensité de l'oeuvre de Tolkien est complètement phagocytée par la réalisation. Même si cet avis n'engage que moi, je ne recommanderai donc à personne cette Communauté de l'Anneau.

Une Hirondelle a fait le Printemps

Stockholm — Tue, 19 Feb 2008 21:51:43 +0100

Synopsis

Sandrine, une jeune informaticienne parisienne, va réaliser son rêve de toujours : plaquer là la ville et ses contraintes, et devenir agricultrice...
Adrien, lui, est un vieux paysan du Vercors ; il veut vendre son exploitation. Mais à une jeunette tout droit sortie du lycée agricole ? Hors de question pour le vieux bougon - et pourtant, l'argent presse, et il finit par vendre, à regrets, à l'étrangère aux idées trop modernes.
Et hors de question également d'aider Sandrine, en proie aux difficultés d'un hiver rude, et presque débordée par la tâche qu'elle s'est fixée : transformer l'antique ferme en gîte. Au fur et à mesure de cette cohabitation, Adrien va assister à la mutation de l'endroit où il a passé sa vie. Un hiver au bout duquel se cache le soleil de l'amitié...

Mon avis

Un bon film. De bons acteurs. De beaux paysages, une histoire touchante, un peu trop consensuelle à mon goût. L'histoire du vieux grincheux amadoué par la jeunesse et l'esprit d'entreprise n'est pas nouvelle ; elle a été cent fois utilisée, avec plus ou moins de talent c'est vrai.
On peut en effet dire une chose : cette Hirondelle ne sombre jamais dans la mièvrerie. Le film conserve la pudeur des caractères finement analysés, et le duo Serrault/Seignier sauve bien le scénario. Sans doute également grâce à l'absence de (sur)idéalisation de la vie d'agriculteur - les côtés les plus durs ont sans doute été émoussés, mais le réalisme reste convainquant et très naturel.

A remarquer, une photographie d'une grande beauté nourrie de simplicité, avec de magnifiques vues du Vercors à travers les saisons.

Il s'agit tout simplement de l'un de ces bons films comme le cinéma français réussi à en produire de temps à autres : ils ont tout ce qu'il faut pour faire un navet et, par une curieuse alchimie, on obtient des parenthèses de beauté délicate. Une Hirondelle a fait le Printemps mérite d'être vue et ne décevra pas grand monde ; les amateurs de films d'auteur en sortiront probablement enthousiasmés, et les autres auront, au pire, passé un excellent moment.

Ocean's Twelve

Stockholm — Thu, 31 Jan 2008 17:53:19 +0100

L'histoire

Trois années ont passé depuis le bracage étincellant des trois plus gros casinos de Las Vegas par Danny Ocean et sa bande hétéroclite de joyeux drilles. Danny et Tess coulent des jours paisibles dans une maison encore en travaux, Rusty s'est essayé à l'hôtellerie, Ruben mène une vie casanière de retraité traquille - bref, ils se sont rangés.
Mais Terry Benedict, le propriétaire des casinos, n'a pas digéré l'affront et les a retrouvés, exigeant d'être remboursé du montant du butin, plus les intérêts. Une seule solution pour les onze : voler l'argent - ou l'équivalent.
C'est ainsi qu'ils se retrouvent à Amsterdam à voler un objet ancien de grand prix, pour découvrir qu'ils ont été doublés par un voleur affublé du surnom de Renard de Minuit. Pas d'objet, pas d'argent - et Benedict prêt à régler ses comptes à la morgue.

Les onze partent donc pour l'Italie, où se trouve le voleur, qui leur propose un étrange paris : s'ils réussissent à voler avant lui un inestimable oeuf de Fabergé, le Renard épongera leur dette auprès de Benedict.

Mon avis

La suite déplorable d'un film génial, voilà ce qu'est Ocean's Twelve. L'intrigue ne décolle jamais, les acteurs sont pitoyables, faisant de leur mieux pour sauver un scénario saboté d'avance, décousu et illogique. Trop de clins d'oeils entre les acteurs, trop de situations à dormir debout (et de surcroît extrêmement mal racontées)... Trop de personnages secondaires, tous trop stéréotypés, évoluant dans un scénario cousu de fil blanc - rien de mémorable là-dedans.

On ne retrouve pas non plus l'esthétique soignée du premier volet. On ne trouve ni l'atmosphère feutrée des casinos et des tables de poker, ni l'ambiance des musées et du monde de l'art. Les plans sont trop hachés, donnant l'impression finale du montage d'une vidéo amateur. La musique - pourtant toujours de David Holmes - ne fait rien non plus pour rattraper le film.

Bref, Ocean's Twelve est au thriller ce que Julie Lescaut est au grand polar... Heureusement que les acteurs ont été bien payés - sinon ce film n'aurait pas intéressé qui que ce soit.
A éviter comme la peste.

Le Dernier Métro

Stockholm — Tue, 15 Jan 2008 17:00:28 +0100

Synopsis

Pendant l’Occupation, Marion Steiner dirige le théâtre Montmartre après que son mari, Lucas Steiner, a fui les nazis en Amérique du Sud parce qu’il était juif. Elle engage Bernard Granger comme acteur dans la pièce norvégienne qu’elle fait répéter, dirigée par le metteur en scène Jean-Loup Cottins d’après les notes de Lucas. Elle tient le premier rôle féminin. Bernard Granger tente de séduire la décoratrice, Arlette, avant de s’apercevoir qu’elle est lesbienne. On découvre ensuite que Lucas est en réalité resté caché dans la cave du théâtre, en attendant de pouvoir partir ; sa femme vient le voir chaque soir.

Lorsque la zone libre est envahie, Lucas doit rester jusqu’à la fin de la guerre dans cette cave que lui aménage alors Marion. Par un système de conduits, il peut entendre les répétitions et, par l’entremise de sa femme, la mettre en scène. Après une altercation qui l’a opposé au tout-puissant critique, le collaborateur Daxiat, Marion, effrayée d’une possible interdiction de sa pièce, refuse de parler à Bernard. Il lui annonce ensuite qu’il quitte le théâtre pour la Résistance. Devant une descente de la Gestapo, Marion lui confie le soin de déblayer la cave pour cacher Lucas, qui lui annonce alors que sa femme est amoureuse de lui. Lors de sa dernière journée au théâtre, Marion rejoint Bernard Granger dans sa loge et se donne à lui. L’épilogue du film les rassemble après la guerre : Marion est encadrée par les deux hommes réunis au tomber de rideau de la nouvelle pièce montée par Lucas, dont Bernard et elle sont les acteurs.

Mon avis

Le Dernier Métro n'est sans doute pas mon type de film... Tout en reconnaissant sa qualité, je ne peux pas dire l'avoir apprécié, traînant tout au long un sentiment d'attente innassouvie. Peut-être est-ce cela que François Truffaut voulait faire ressentir au spectateur ?
Quoi qu'il en soit, l'histoire se déroule de manière lisse, sans à-coups, de manière assez prévisible. Je n'ai jamais "décroché", parce que j'étais toujours dans l'attente qu'il se passe (enfin ?) quelque chose, mais la fin m'a laissé un fort goût d'inachevé.
Sans doute que les amateurs avertis trouvent ce film un chef d'oeuvre. Pour moi, je me contente de préférer Hitchcock et Tim Burton.

Charlie et la Chocolaterie

Stockholm — Sat, 05 Jan 2008 15:54:47 +0100

Synopsis

Charlie Bucket est un petit garçon dont la famille est extrêmement pauvre. Trois générations vivent tant bien dans une masure bringuebalante, à proximité de la fabuleuse chocolaterie Wonka, entourée de mystère. Willy Wonka y fabrique, dans le plus grand secret, chocolats et bonbons extraordinaires...

Nul n'a jamais franchi les portes de la chocolaterie, jusqu'au jour où Willy Wonka annonce l'existence de cinq Tickets d'Or, dissimulés dans cinq plaquettes de chocolat complètement anonymes. Les cinq enfants qui auront la chance de découvrir ces tickets d'or seront invités, une journée entière, à visiter la chocolaterie et l'un d'entre eux repartira avec un cadeau dépassant ses plus folles espérances.

Après que quatre petites pestes aient trouvé les premiers tickets, Charlie découvrira le dernier et partira pour un voyage enchanté au coeur d'une chocolaterie aussi étrange que son propriétaire.

Mon avis

Il s'agit de la première adaptation d'un livre à l'écran qui ne me déçoive pas, c'est dire... Tim Burton suit avec fidélité l'atmosphère du roman de Roald Dahl, apportant sa touche personnelle en approfondissant avec brio la personnalité parfois déconcertante de Willy Wonka. Dans des décors éclatants d'un kitch savoureux évoluent ces personnages poussés à l'extrême qui font souvent preuve d'une cruauté tout à fait réjouissante. Le brin de sadisme inhérent à l'enfance est merveilleusement inclu dans le film, tout comme dans le livre.

Johnny Depp campe un Willy Wonka fantasque et détaché (la dissociation de ses émotions frisant par instants un début de schizophrénie), en un mot : parfait.

Des effets spéciaux travaillés, une musique qui fait corps avec l'histoire... Charlie et la Chocolaterie est un film qui plaît à tous les âges.

Rain Man

Stockholm — Wed, 26 Dec 2007 17:31:20 +0100

Synopsis

Lorsque son père décède, Charlie Babbit, le séduisant propriétaire d'une affaire de voitures d'occasion, compte bien sur l'héritage pour renflouer son affaire. Mais une mauvaise surprise l'attend : son père a légué l'intégralité de sa fortune à son fils aîné, dont Charlie ignorait l'existence.
Alors qu'il va rendre visite à ce frère inconnu, Charlie découvre que celui-ci est autiste. Furieux des dispositions du testament de son père, il enlève Raymond afin de tenter de récupérer une moitié de l'héritage.
Sur la longue route jusqu'à Los Angeles, malgré les manies parfois exaspérantes de Raymond, par ailleurs un génie du calcul, Charlie va s'attacher profondément à son étrange frère aîné, Raymond, Rain Man...

Mon avis

Certains films ne méritent pas leurs Oscars. Certaines récompenses étonnent de par le manque de qualité de l'oeuvre... Rain Man n'est pas de ceux-là. Jamais Oscars n'ont été autant mérités que dans l'oeuvre de Barry Levinson.
Dans un scénario d'une élégante simplicité, Dustin Hoffman réalise une extraordinaire performance dans le rôle de Raymond, autiste de génie. Il n'est pas un seul instant déplacé, toujours dans la peau de Raymond, avec un naturel fascinant. Il a très probablement rencontré nombre de psychiatres, et peut-être également d'autistes, en préparant le rôle, mais il n'y a dans son jeu rien d'artificiel. Il est Raymond, avec ses peurs, ses nerfs à fleur de peau dans son monde coupé du reste... avec aussi ses stéréotypies, ses rites de rassurement, et sa difficulté - presque son impossibilité - à communiquer.
Tom Cruise, le beau gosse d'Hollywood, est lui aussi parfait dans son rôle de vendeur de voitures beau parleur, un tantinet égocentrique, vite exaspéré, et tellement humain.

Il n'y a dans le film aucun pathos, aucun trop-plein de bons sentiments, rien d'autre que l'extraordinaire justesse du couple formé par ces deux frères si différents l'un de l'autre.
La photographie impeccable, les couleurs envoûtantes, et une grande maîtrise de la caméra, achèvent de nous embarquer dans le monde de Raymond, s'accrochant aux détails, aux vues partielles, avec une simplicité révélatrice de l'immense travail réalisé en amont.

Bref, Rain Man est un film qui, non seulement n'a pas volé sa réputation, mais va encore plus loin, entre humour et tension extrême, là où vont les meilleurs films. A voir, absolument.